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ブログでも紹介しましたが、ダントツでこの一枚と言っておきましょう。多弦ベースという飛び道具的なありよう、そしてYouTubeで話題になったという超絶技巧の演奏テクニックと、キワモノ企画に終わってしまいそうな中にあって、しっかり音楽性が確立されていて、素晴らしいバランス。目的と手段を見誤っていない、クリエイターとはこうありたいという快作でした。ベースという楽器が未だにジャコ・パストリアス・コンプレックスを抜け出せない、いや抜け出そうとしない旧世代音楽評論家と音楽ファンの権威主義からは全くと言っていいほど自由な、そして音楽性の高いベーシストは、彼とリチャード・ボナくらいではないか。未だになんと読むのかわからない名前ですが(笑)

あと、アドリアン・フェローとかs.m.v.とか、ベース関連で良いアルバムが多かったのが印象に残ります。

ところでさいきんヘビロテのアルバムを2枚ご紹介。

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全く知らないミュージシャン(キーボーディスト)だったのですが、聞いてみたら実に良かった。「Chill or Be Chilled」という曲がお気に入り。

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松原正樹といえば往年の松田聖子の曲で誰もが聞いたことのあるソロを弾いていた超有名ギタリストですが、かつて「Sniper」とか「Painted Woman」という素晴らしいA.O.R.の名作を作り上げたお人。その後もコンスタントにアルバム出していたのですが個人的には疎遠になっていて、でも久々に聞いたこのアルバムはとても良かった。曲も演奏もいいけど録音が素晴らしくいいな。

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もともと坂本”教授”龍一は、渡辺香津美のキリン・セッションに参加するなど、ジャズ・フュージョン的な一面もあったのは事実。清水靖晃の「北京の秋」(ジャズ・スタンダードをwithストリングスで演奏した歴史的名作)においても、ジャズっぽいピアノを披露している。

そこに今回、坂本自身の口から「もともと3人ともスライ＆ファミリー・ストーンが好きで」と語られたことで、やっとYMOという「バンド」の下地がわかった気がした。「元々、ファンク・バンドとしての側面がYMOにはあった」と坂本は言うのだ。

そう考えると、YMO以前の細野晴臣の活動ともつながるし、もちろん坂本のジャズ的センスを解体し再構築したようなソロ活動（「サマー・ナーヴス」や「千のナイフ」、「音楽図鑑」など）の意味もわかる。「テクノ」という言葉のみが先行してわかりにくくなっていたYMOの（とくに「BGM」以降の）変遷が、やっと俺の中で腑に落ちた。そう、「テクノドン」から「スケッチ・ショウ」、「HAS」にいたるまで、YMOはリズム・バンドだったのである。

普段おいらは、「ライブは共有体験があってこその創作であり、記録を再生することに意味は薄い」という理由からライブ・アルバムには手を出さない。演奏や歌唱など、荒っぽかったり譜割や音程を間違ったり、完成度の面でレコーディングに劣ることが散見されるからだ。だが、それもライブという共有体験が全てにおいて穴をうめてしまう。同じ場にいて、目の前でパフォーマンスすることに意義があるからだ。それなくして音だけを拾うことにどれほどの価値があるのか？と（その意味では映像付きのDVDはまだ価値を認める）。

だが、上記の「EUYMO」は、純粋に音楽CDとして素晴らしい。ただ単に一発録りのセッションであると考えても良い。特にリズムのすごさ、ユキヒロ・ドラムと細野ベース、坂本バッキングのクールでいて熱い、言葉では矛盾するようなリズムの完璧さにはまったくしびれた。特にロンドン・ライブの2枚目はまさにファンクである。

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「現実しか見られなくなった大人たちへ、夢見ることのすばらしさを伝える」というテーマでも内包してそうな気もしますが、その割には「夢見る」人たちへのシビアな視点が現実的すぎるようでもあるし。もしそういうテーマで映画を作るなら、ラストのモンスター化した女王はやり過ぎじゃないかと思いました。もうちょっと現実サイドから「夢見る」すばらしさをリアルに伝えて欲しかった。

エドワード王子のニューヨークでの騒動ももちっと食い足りなかったし、ジゼルの動物アヤツリパワーも随所で生かして欲しかった。でも、あの離婚夫婦がジゼルの言葉をいぶかしげに思いながらも、次の登場ではとっくに復縁しているという「裏のドラマ」を感じさせる演出は良かったな。

今時の映画には少なくなった、往年のMGMミュージカルのような華やかさ、楽しさが満ちていて、むしろそういう映画への回帰がテーマじゃないかとも考えましたよ。おいらは「好きな映画は？」と聞かれたら「雨に唄えば」と答えることにしています。いや、他にも好きな映画はあるのですが、そう答えることで昨今の映画が失ったものを再評価したいというメッセージも込めているつもりなのです。

そういう意味では、ディズニーが今もって映画らしい映画を作ってくれることにうれしく思うのです。映画って何？という命題を考えるに当たっては、おいらは「錯覚」という言葉がキーワードになると思っています。ひとつには、連続撮影した写真を、再び連続的に見せる、いわゆるパラパラマンガにすることで、動かないハズの写真が動いているように見えるのは、ひとえに脳が勘違いしている、錯覚しているということ。そしてもうひとつには、カットの並べ方によって、「そこにないもの」を「あるかのように見せる」錯覚。

映画の勉強をする上で、最初に憶えるであろう「モンタージュ」。初歩の初歩の初歩なテクニックです。たとえば(1)男の顔のアップ、(2)ラーメンのアップ、(3)最初と同じ男のアップ、というカットを連続したとします。これだけで、見た人には、男が「ラーメンを美味しそうだと思っている」と見えるというものです。

しかし、たとえばここで男の顔のアップを、全く関係ないライブラリから持ってきたもので、ラーメンのことなど考えていないとしても、モンタージュの技法によって「おいしそうと思っている」と、いわば錯覚するわけです。

ここで、以前書いたかもしれませんが、チャールズ・ブロンソンの「アクターとムービースターの違い」という一説が生きてきます。大林宣彦が演出したマンダムのCMで、ブロンソンが言った「登場人物の心理状態や感情など指導しなくて良い。何歩歩いて、どこで顔を上げて、どこを見てどんなセリフをしゃべるのか。内面でなく見た目を演技指導してくれ」という話。映画とは見た目をフィルムに収めるものであり、カット割りやつながり、画面構成などの編集によって語るもの。それによって、見た人がそこに語られたストーリーやドラマを受け止める、いや錯覚するというものであると言っているかのようです。

仮面ライダーV3の宮内洋さんが語った言葉にもそれは見えてきます。キイハンターや仮面ライダーでアクションシーンを自らスタントした宮内さんによれば、「実際に格闘してフィルムに収めても、それは格闘シーンに見えない。カメラとフィルムの特性を生かして、実際にはあたるどころかかすりもしてないパンチやキックが、カット割りによって激しくヒットしているように見える擬闘(コリオグラフ)、これが映画の演技なんだ」というような話でしたか。これも錯覚によって、見る人に「そこにないものをあるかのように見せている」と言えるのではないでしょうか。

そういう意味では、アニメーションやCG特撮もまた錯覚による映画的なテクニックと言えなくもないですが、これらは「そこにないものを作ってしまう」わけで、錯覚とはちょっと違うものであり、アニメや特撮を映画として認めることに抵抗のある人は、そこを指摘したいんじゃないかと思うのであります。

するてえと、脚本というものは、ブロンソンいうところの「何歩歩いて、どこで振り向いて」のように、「見た目」を書くことによって、カメラやフィルムによる錯覚の設計をするものであって、脚本が小説のように人物の内面や思考を描写するものとは違うというのは、そこにキモがあるんじゃないかと考えている今日この頃、小泉今日子のセカンドゴロなのであります。

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びっくりしたのは地デジの画質がいいこと。BSに比べるとちょっと解像度的に落ちる感のあった地デジが、ぐっとよくなった。テレビの内蔵チューナーよりも画質が良いのだ。上位機種にはBW830、BW930とあるわけだけど、家庭用のテレビ程度だったら730で十分、むしろ上位機種では良さが生かされない。830は50型クラスの大画面プラズマ、930なら本格ホームシアターでプロジェクターでも使わない限り差はないと思う。

これで録画したBS11のベン10は格段に画質が良い。発色が良く「抜けの良い」画質。ブルーレイで保存できるならパッケージソフトなみのライブラリになりそう。あっスティンクフライの野郎、グウェンのおっぱい触(以下割愛)

なおかつ、ブルーレイディスクソフトも試してみたくて、「魔法にかけられて」を買った。

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圧倒的な解像度、というより画面の情報量で、32インチ液晶の画面がふたまわり大きくなったかのよう。画面の絶対サイズより、映像の情報量が相対的な大画面感を知覚させるのでしょうか。ここまで来ると「映画を観てる」感じが出てくる。おいらはそんなに映画ファンでもマニアでもないけど、画面の大きさではなく、フィルムの情報量こそが映画の映画らしさなんじゃないかと思いました。

アニメも実写も、ジゼルの愛らしさがよりいっそう際だってます。

追記：
ネット上で見かけるベン10の初期設定版ポニーテール・グウェンのカットって、今回のエピソード(#2)と同じレイアウトだな。パイロット版でもあったのか、レイアウトだけ起こしたのか。

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